Professeure de dessin, peinture et sculpture

« … je veux créer un espace où la vérité, les valeurs, les désirs profonds et l’amour de la vie dansent ensemble au rythme de la beauté»

Cofondatrice et directrice de l’ACADEM

Introduction

«Porte-parole sensible de sa communauté, l’artiste a la responsabilité de produire des œuvres qui reflètent sa vérité transcendante»  

Marquée profondément par le théâtre depuis son plus jeune âge, Romina développe un intérêt particulier pour l’image narrative en peinture. Fascinée par la technique et la symbolique des œuvres classiques, tant en arts visuels qu’en littérature ou en théâtre, elle explore dans ses peintures à l’huile des thèmes universels tels que la mythologie et les récits fondateurs. La pratique régulière du modèle vivant, en dessin, peinture et sculpture, au cœur de sa démarche, lui permettent d’approfondir sa compréhension de la forme humaine et de l’espace.

Biographie

Romina est une artiste originaire d’Argentine, animée par une passion singulière pour la sculpture, qu’elle pratique comme un langage naturel depuis l’enfance.
Après avoir terminé ses études secondaires, elle est admise, à la suite d’un processus de sélection, à l’École Nationale des Beaux-Arts, puis à l’École Supérieure de la Cárcova à Buenos Aires, où elle se spécialise en peinture, sculpture et scénographie.
Elle enrichit ensuite son parcours par des études en réalisme auprès d’Alejandro Boim, Mariana Semino et Ariel Gulluni, ainsi qu’en animation au Cégep de Bois-de-Boulogne et en scénarisation à l’UQAM, à Montréal.

La rencontre avec Alberto Muñoz, avec qui elle avait étudié la « poétique », a transformé profondément son rapport à l’art, en lui donnant l’orientation singulière qui marque son approche actuelle.
Dès lors, la quête devient celle de traverser la brèche entre vie et narration — quelle que soit la discipline artistique.

« Cette diversité de formations reçues au sein d’institutions artistiques majeures, conjuguée à l’expérience directe dans l’intimité des ateliers de maîtres, m’a permis de développer une compréhension viscérale des arts représentatifs, faisant émerger une reconnexion profonde à l’art classique, que je choisis désormais d’embrasser avec une conviction renouvelée, plus intime et substantielle. »

En tant que pédagogue

C’est à ce moment qu’elle réalise que les organismes publics d’enseignement ne prennent pas en charge l’enseignement des techniques traditionnelles pour les artistes professionnels. Face à ce constat et animée par une profonde conviction de l’importance de préserver et de transmettre les techniques classiques de la peinture, Romina fonde en 2012 l’atelier ‘L’Eccyclème’. Cette initiative a marqué le début d’une aventure plus ambitieuse : L’Académie des Beaux-Arts de Montréal, fondée en 2014 aux côtés d’Achilles et Christine qui partagent avec elle l’amour pour l’art. Dès ses débuts Romina s’investit corps et âme dans l’édification de cette nouvelle institution.

Portée par sa vision artistique elle conçoit les programmes de formation de l’ACADEM tout comme les installations visuelles, répondant ainsi aux besoins des artistes en quête d’outils pour la représentation réaliste.

Depuis 2022, elle insuffle une passion renouvelée à la direction de l’école. Elle y enseigne toujours la peinture, le dessin et la sculpture, tout en continuant à se consacrer à ses œuvres personnelles.

Elle rêve de faire de l’ACADEM la maison de tous les artistes qui comme elle cherchent à s’épanouir dans une ambiance de support, partage, vivacité et bienveillance.

En tant qu’artiste

« Cet instant sûr, mais presque intangible, où la beauté converge avec les cordes sensibles de chacun; cet instant est celui que je poursuis invariablement »

De nos jours, choisir la carrière d’artiste visuelle oblige à prendre position par rapport au problème qui concerne la peinture depuis plus d’un siècle: celui de la représentation. Dans ce contexte, la peinture classique m’offre une expérience sans pareille: celle de donner vie à des œuvres productrices de sens, forgées par des mécanismes de gestation uniques à leurs temps à travers un langage universel. Pour ce faire je me sers de tous les outils que l’art réaliste m’offre: matière, sujet, symbolique et la capacité maîtresse incontestable de toute œuvre intemporelle: la séduction.
Ce langage me permet d’aborder une multiplicité de dimensions sensibles, souvent dans le royaume de l’invisible, qui composent un univers complexe.

« … je me donne pour mission d’élaborer une réalité possible, tel un portail qui s’ouvre sur la seule certitude incontournable: celle d’être en vie»

Romina vit et travaille à Montréal, où elle expose ses œuvres régulièrement.

En 2025, elle a obtenu un Certificat d’Excellence pour sa sculpture « Michael » dans le cadre du concours « The Miracle of the Portrait » de la Portrait Society of Canada.

© Tous droits réservés, Romina Sol Catanzaro 2026

Professeur de dessin et peinture

Né au New Jersey de parents allemands, Eberhard Froehlich a étudié en Europe et aux États-Unis. Il dessinait constamment. Il a étudié la peinture avec Randall Exon au Swarthmore College en Pennsylvanie où il a obtenu un baccalauréat ès arts en Studio Art  en 1986. En peu de temps, Eberhard Froehlich a commencé à exposer son travail en Allemagne et aux États-Unis tout en développant ses compétences en peinture à l’huile, aquarelle, gravure, et sculpture. En 1997, il s’est inscrit à la Graduate School of Figurative art d’art de la New York Academy pour approfondir sa compréhension de l’anatomie et de la peinture classique. Après avoir obtenu un Master of Fine Arts en peinture en 1999, Eberhard Froehlich a enseigné le dessin et la peinture figurative dans les collèges et les universités de Baltimore pendant six ans. En 2012 il s’est installé à Montréal, où il travaille et expose comme peintre de plein-air, de paysage et de figure humaine.

Pour Eberhard Froehlich d’autres questions importantes contribuent au défi de faire des dessins et des peintures signifiantes: Quels facteurs conduisent à l’harmonie et à l’unité d’une œuvre ? Quelle logique sous-tend l’apparence de la couleur ? Comment peut-on appliquer cette logique à la matière de la peinture ? Qu’est-ce qu’une couleur expressive ? Comment créer une sensation d’air et d’espace dans une peinture ? Sur quoi mettre l’emphase pour rendre les figures humaines plus convaincantes? Comment montrer le mouvement? Dans ses cours, Eberhard Froehlich s’emploie à répondre à ces questions s’assurant que tous les élèves puissent travailler dans l’atteinte de leurs objectifs personnels, en tant qu’artistes et en tant qu’êtres humains.

Eberhard Froehlich aime enseigner le dessin et la peinture, car cela lui permet de partager son amour des gens et du monde. Dans son enseignement, il met l’accent sur la compréhension visuelle et structurelle, puisque ces aspects sont communs à tous.

Les œuvres d’Eberhard Froehlich se trouvent dans des collections publiques et privées au Canada, aux États-Unis et en Allemagne.

© Tous droits réservés, Eberhard Froehlich 2026

Professeur de dessin et peinture

Influencé autant par les grands maîtres italiens, l’École de Londres que par ses contemporains Mark Tansey, Michaël Borremans et Neo Rausch, Gianni Giuliano s’inscrit dans la grande tradition du classicisme revisitée par la figuration réaliste contemporaine.

​Giuliano est un exemple d’artiste autodidacte du réalisme, trop souvent négligé dans les institutions universitaires au profit d’un enseignement théorique. Il est un fervent défenseur de l’enseignement des savoir-faire, aujourd’hui il partage ses connaissances avec ses élèves pour approfondir le savoir-faire technique du dessin et de la peinture.

Son travail ne se réduit pas à un strict académisme. Il explore les combles et les marges de l’image – ses pouvoirs, mais ses impuissances aussi – au moyen de la représentation de personnages qu’il met en scène dans des situations indéterminées, voire incongrues. L’étrangeté sur fond de réalisme, qui en ressort, engendre un regard intrigué et circonspect, qui dispose à l’introspection.

Artiste peintre, l’Italo-Canadien Gianni Giuliano vit et travaille à Montréal. En 1998, il a complété un baccalauréat en beaux-arts (peinture et dessin) avec distinction à l’Université Concordia. Il détient une maîtrise en Arts (peinture) de l’Université du Québec à Montréal depuis 2014. Il est récipiendaire de plusieurs prix, notamment la prestigieuse bourse de la Fondation Elizabeth Greenshields à deux reprises. Plus récemment, il est le gagnant de la 6e édition du concours Brush Off en 2017 et a été sélectionné pour le concours La Série Bombay Sapphire Artisan en 2016 et 2018. Ses œuvres figurent au sein de nombreuses collections d’entreprise, de collections tant publiques que privées.

« La grande tradition du classicisme revisitée par la figuration réaliste contemporaine. »

© Tous droits réservés, Gianni Giuliano 2026

Professeure de dessin et peinture

Née en Slovénie (ex-Yougoslavie) Irena est diplômée de l’Académie des Arts visuels de Ljubljana. Peu après l’obtention d’un Baccalauréat en beaux-arts, Peinture et Restauration, elle s’installe à Montréal où elle enseigne la peinture classique depuis 1989. Elle a notamment enseigné au Collège Dawson et à la Saidye Bronfman School of Art de 1994 à 2000.

En 2000, elle fonde l’école Bohemiarte pour s’associer ensuite à Artedea en 2015. Depuis, elle œuvre sous le nom École ARTEDEA-BOHEMIARTE, une école approuvée par le Art Renwal Center depuis 2006. En 2020, elle décide de se spécialiser dans le programme d’apprentissage individuel des techniques des grands maîtres tout en se joignant à l’équipe de l’ACADEM pour l’enseignement de cours de dessin et peinture en réalisme classique.

Irena est récipiendaire de nombreux prix dont la Bourse Elizabeth Greenshields pour la peinture figurative (1994). Elle a aussi été maintes fois primée au Salon international du réalisme classique, Art Renewal Center (US) et par la Portrait Society of Canada dont elle est membre.

Son travail se retrouve dans de nombreuses collections publiques et privées en Europe et en Amérique du Nord.

​ »Créer c’est aimer. Quand on crée on est beau… et vulnérable. Et de cette place sacrée peut naître une grande œuvre d’art… »

© Tous droits réservés, Irena Korosec 2026

Professeur de dessin et peinture

Né à Montréal, Robert commence à dessiner dès son enfance. Au début de la vingtaine, il poursuit ses études d’art classique à l’Atelier de Minneapolis, Minnesota. Il étudie ensuite avec des artistes de formation classique à Chicago et à Boston. Il poursuit sa formation en se rendant à Florence où il étudie les maîtres anciens. Pendant ce temps, il voyage également en France, étudiant les grands peintres académiques et impressionnistes.

Après son séjour artistique en Europe, Robert embauche des modèles dans son atelier et dessine et peint ses sujets par observation. C’est à cette époque qu’il fait beaucoup de progrès et remporte la prestigieuse bourse de la fondation Elizabeth Greenshields pour les artistes réalistes. Afin de perfectionner son art, Robert suit de nombreux ateliers avec des artistes tels que le regretté maître portraitiste Daniel E. Greene et des réalistes contemporains tels qu’Anthony Ryder et Colleen Barry.

Robert enseigne l’art depuis plus de 11 ans. « Quand il s’agit d’enseigner aux étudiants comment dessiner et peindre, j’essaie de transmettre les techniques que j’ai apprises afin d’observer et transcrire le monde visible sur papier, ou sur toile, sans gêner le style personnel ou la voix de chacun».

En tant qu’artiste, Robert s’efforce de combiner un dessin précis avec une manière impressionniste d’observer et de voir les valeurs et les couleurs dans leur ensemble. Il se spécialise dans les portraits, mais aime aussi dessiner et peindre des natures mortes, des paysages et des personnages.

© Tous droits réservés, Robert Pietrantonio 2026

Nouvelle professeure!

Professeure de dessin et peinture

Hana Bilavčíková est une artiste et restauratrice experte du 19e siècle, venue de Prague, capitale de la République Tchèque, située en plein cœur de l’Europe. Elle a obtenu son doctorat de l’Académie des Beaux-Arts de Prague, où elle a acquis son savoir des techniques artistiques au sein de son Studio de restauration. Conservatrice à la Galerie Nationale de Prague, Hana a restauré pendant 10 ans les peintures d’un grand nombre d’artistes, renforçant sa compréhension des diverses techniques utilisées par les maîtres anciens.

Cette expérience l’a notamment enrichie d’une compréhension fine des systèmes de superposition utilisés par les peintres, atout inestimable autant pour la conservation des œuvres que pour son approche artistique personnelle. Aujourd’hui, elle intègre de manière fluide l’inspiration tirée de ces techniques dans ses propres expressions artistiques, créant une fusion captivante entre tradition et innovation.

La philosophie artistique de Hana va au-delà de l’expression personnelle et naturellement influence son approche pédagogique. Animée par le désir de partager les fruits de son parcours et ses idées, elle souhaite transmettre l’importance d’une compréhension des différentes techniques des artistes du 19 e siècle et le rôle des copies technologiques dans le paysage créatif contemporain. Les cours de Hana sont une toile vibrante où les étudiants sont encouragés à peindre leurs histoires, guidés par les couches de sagesse artistique qu’elle partage avec enthousiasme.

© Tous droits réservés, Hana Bilavčíková 2026

Nouveau professeur!

Professeur de dessin et peinture

Dès son plus jeune âge, il se passionne pour les sciences, la biologie, et l’observation de la nature. Cette soif d’observer le monde vivant va de pair avec un vif intérêt pour dessiner, nourrissant un désir de peindre aussi bien d’après nature que par imagination.

Cette aspiration l’a naturellement conduit à l’étude des grands maîtres de la peinture figurative, capables d’allier représentation fidèle et création imaginative. Son admiration pour Edgar Degas l’a mené à découvrir son maître, Jean-Auguste-Dominique Ingres, puis l’idéal artistique de ce dernier: Raphaël. Guidé par une démarche résolument technique, son objectif est de créer des œuvres exigeantes qui rendent hommage à la nature et qui résonnent en nous par leur beauté et leur harmonie. Pour lui, l’imitation des classiques est la plus belle des flatteries.

Né à Pékin en 1997, il commence très tôt à copier les dessins de Degas et de Sargent. Sa quête d’un enseignement technique solide l’amène à poursuivre sa formation en Chine, où il obtient un Bachelor de quatre ans en Peinture à l’huile de la Central Academy of Fine Arts (CAFA). Cette institution, marquée par les traditions artistiques russes et françaises de la fin du XIXe siècle, lui a offert une base académique rigoureuse. Il a également suivi l’enseignement de nombreux maîtres renommés, tels que Jin Shangyi, Liu Xiaodong, ou encore Ling Yun, affinant ainsi sa vision de la peinture.

Au-delà de l’apprentissage des procédures techniques du dessin et de la peinture à l’huile, ces années ont été cruciales pour développer son « esthétique » — sa sensibilité au beau, influencée par l’art grec et français. Cette formation influence encore aujourd’hui son regard, son exigence envers son propre travail et sa manière d’étudier les anciens maîtres.

Il travaille principalement à l’huile et au graphite, créant des œuvres raffinées avec des natures mortes, la peintures de plein air, des études de bustes ou de sculptures, avec un accent particulier sur le détail et l’harmonie des couleurs.

Aujourd’hui, il partage son temps entre l’enseignement de l’art et le développement de sa pratique personnelle, portant une attention particulière aux œuvres de l’Académie française, dont il cherche à perpétuer la vision et les méthodes.

Au cœur de son enseignement se trouve une approche centrée sur l’étudiant. Il conçoit un parcours pédagogique distinct pour chacun, guidé par son niveau actuel et sa vision créative. Son enseignement est axé sur les compétences fondamentales en dessin et en peinture, en accordant une place primordiale au travail sur le vif. En se concentrant sur la maîtrise de la ligne, du contour et de la forme et en s’appuyant sur l’étude des maîtres, il cherche à donner aux étudiants les moyens de créer des œuvres personnelles et diversifiées.

© Tous droits réservés, Arnold Zi Wei Chen 2026

Professeur de Création – Projet personnel

Jean Labourdette aka Turf one

Né en 1976, France. Vit et travaille à Montréal (Québec).

Artiste autodidacte. Encouragé par son père artiste Jacques Labourdette, Jean a grandi à Malakoff en banlieue parisienne. Amateur de bande dessinée, c’est en pratiquant le skateboard à partir du milieu des années 80 qu’il découvre le graffiti pour devenir en 1988 un de ses activistes : Turf One – dans ce contexte, il se spécialise rapidement dans la représentation figurative. Devenu illustrateur et auteur de bandes dessinées au cours des années 90, il déménage en 2001 au Canada et se consacre pleinement à la peinture, explorant les techniques classiques de peinture des anciens Maîtres flamands, ainsi que la feuille d’or. Il portraiture des personnages marginaux et surréalistes, tatoueurs célèbres ou « vedettes de quartier » que leur gouaille et gueule cassée rendent princiers. Une galerie de figures peintes de façon hyperréaliste remarquable dont, explique-t-il : « je me sers pour explorer différentes facettes de mon inconscient ». Actuellement, l’artiste est concentré sur trois grands sujets : l’exploration de l’âme humaine et animale ; le reliquaire et memento mori ; l’aspect contemporain d’un side show imaginaire. L’artiste, particulièrement collectionné dans le milieu du tatouage contemporain et du surréalisme pop, expose dans le monde entier.

Anne de HEY!

“It’s more than the simple observation that walking into the Montreal studio of Jean Labourdette, aka Turf One, is like entering a portal to the past. Immediately you are in the presence of a collector of memories, an archivist of the peculiarities of bygone days who tries to make sense of history in a contemporary painting”
Evan Pricco, Editor of Juxtapoz Magazine.

Approche pédagogique :

Étant autodidacte et ayant plus appris dans le rues de Paris en tant que graffiteur que sur les bancs de l’école, je propose un enseignement hors norme visant avant tout à accompagner l’étudiant dans son chemin artistique unique et personnel, sans imposer un moule à sa créativité.

Les techniques de peinture sont des outils indispensables à exprimer une vision créatrice personnelle, mais ne sont jamais le but de l’œuvre. Elles sont à son service.

Mon objectif est avant tout d’accompagner les étudiants dans un approfondissement de leur vision personnelle du monde et de leur voix créative unique, tout en étant à leur disposition pour les aider à développer et affiner leurs outils de création artistique afin qu’ils puissent le plus fidèlement exprimer cette vision au travers d’une œuvre matérielle…

© Tous droits réservés, Jean Labourdette 2026

Professeur de Bande dessinée

Depuis mon enfance, j’ai toujours dessiné et dévoré des bandes dessinées, bien avant même de savoir lire. Cette passion précoce pour le dessin et les histoires illustrées m’a naturellement conduit à poursuivre une carrière dans le domaine de la bande dessinée. Entre 2011 et 2016, j’ai eu la chance de me former à l’ERG, au sein des instituts Saint-Luc à Bruxelles, où j’ai étudié auprès d’auteurs renommés tels que Goff et Olivier Grenson. Ces mentors m’ont transmis les clés pour comprendre et maîtriser l’art séquentiel, m’ouvrant ainsi les portes d’un univers riche et complexe.

Pour moi, une image, peu importe son interprétation, est un vecteur puissant d’histoires. Elle ne se limite pas à sa case, mais déborde et s’épanouit dans l’imaginaire du lecteur. Cette conviction profonde guide mon travail et mon enseignement. À travers mes cours j’aspire à transmettre cette passion et cette compréhension de la bande dessinée que je ressens en tant que dessinateur et illustrateur.

Ma démarche pédagogique repose sur l’idée que chaque dessin peut raconter une histoire, qu’il soit simple ou complexe. J’encourage mes élèves à explorer la narration visuelle, à jouer avec les cadres et à expérimenter avec les séquences pour créer des œuvres qui captivent et inspirent. Mon objectif est de leur donner les outils et la confiance nécessaires pour exprimer leurs propres histoires à travers le médium de la bande dessinée, tout en respectant les codes et les techniques de cet art unique.

En partageant mon expérience et ma vision de la bande dessinée, j’espère inspirer une nouvelle génération d’auteurs et d’illustrateurs à explorer les possibilités infinies de la narration visuelle.

© Tous droits réservés, Jérôme Suzzoni 2026

Nouveau professeur!

Professeur de spécialité

Inspiré par le cinéma, j’ai commencé à créer des bandes dessinées dès l’âge de 9 ans. À cette époque, Hergé et Bernie Wrightson étaient mes principales références en matière de dessin et de narration. Curieusement, la bande dessinée en tant que médium ne m’attirait pas particulièrement, mais elle représentait pour moi le seul moyen de faire du cinéma. Passionné par les films d’horreur et d’arts martiaux, mes premières bandes dessinées regorgeaient naturellement de monstres et de ninjas.

Quelques années plus tard, j’ai mis la main sur une caméra vidéo, ce qui m’a enfin permis de réaliser mes propres films avec mes ami.e.s. Pendant les quinze années suivantes, je me suis pleinement consacré à la création sous diverses formes : films, animations, dessins, peintures, sculptures, couvertures de livres, logos, illustrations publicitaires, storyboards et affiches de festivals.

J’adore dessiner des personnages en action, puis les intégrer dans un décor pour raconter une histoire. Ce qui me passionne le plus dans mon travail, c’est la composition d’une image et l’utilisation de la lumière pour mettre en valeur ses éléments et sujets.

À l’aube de la trentaine, j’ai découvert les outils numériques grâce à une opportunité professionnelle dans l’industrie du jeu vidéo. Ce passage au numérique a ouvert de nouvelles perspectives. Tout d’abord, cela a transformé ma perception et mon utilisation des couleurs. Contrairement aux médiums traditionnels, le numérique ne nécessite pas de préparation rigide : tout peut être modifié ou supprimé facilement. Ensuite, il m’a permis de travailler sur une multitude de projets passionnants, tels que le festival Fantasia, les séries de jeux vidéo Assassin’s Creed et Far Cry, ainsi que plusieurs spectacles du Cirque du Soleil.

Aujourd’hui, je travaille toujours dans le jeu vidéo, mais également sur des projets d’expositions et d’expériences immersives. Depuis quelques années, la peinture traditionnelle prend une place de plus en plus importante dans mon quotidien.

© Tous droits réservés, Donald Caron 2026

Nouveau professeur!

Professeur de sculpture

Félix Marquis-Poulin explore la forme humaine à travers la sculpture et la modélisation 3D comme un moyen d’accéder à l’émotion et à la présence de l’être. Formé d’abord en design graphique, puis en animation 3D au Centre NAD, il travaille depuis plus de douze ans dans l’industrie des effets visuels comme character et facial modeler.

Parallèlement à cette pratique numérique, il découvre la sculpture figurative à la Florence Academy of Art, où l’argile devient pour lui un médium essentiel. Il poursuit ensuite une année de formation à Athènes sous la tutelle de Robert Bodem, fondateur du programme de sculpture à Florence, où il approfondit son approche des volumes et de la structure humaine.

Au cœur de sa démarche se trouve l’étude du corps comme territoire sensible où l’on peut raconter des histoires: un endroit porteur de mémoire, de fragilité et de force. Félix voit l’enseignement comme une extension naturelle de cette recherche — un échange vivant qui nourrit sa compréhension des formes et du geste. Depuis son retour, il travaille dans son atelier à Montréal, où il se consacre à la création d’œuvres sculpturales.

L’ACADEM est heureuse d’accueillir Félix au sein de son équipe de professeurs!

© Tous droits réservés, Félix Marquis-Poulin 2026

Professeure pour enfants

Carmen Mármol est une artiste visuelle née à Séville en Espagne. Diplômée en Beaux-Arts en 2023 à l’Universidad de Sevilla, elle a acquis une base académique solide et riche autour du dessin, peinture, sculpture et gravure.

Passionnée par l’étude du corps et le dessin d’observation avec modèle vivant, Carmen poursuit son parcours artistique vers le digital à l’Universidad de Valencia où elle se spécialise dans le mouvement et l’expression de personnages au travers de cours de récit visuel : bande dessinée, storyboarding et animation.

En 2018 sa bande dessinée en collaboration avec Ysabel Herrera ¡Mueve el esqueleto! obtient la deuxième place au « Prix des jeunes créateurs de Séville XVI ».

En 2023 le script de son film animé TRES reçut le « Prix d’écriture créative de l’Université de Valence XXI » et elle obtient des subventions pour la production du film.

En obtenant une Maîtrise d’enseignement pour les arts à l’Universidad de Sevilla en 2024, elle a pu développer des méthodes pédagogiques variées afin de répondre aux besoins diversifiés des élèves. Son approche centrée sur l’élève favorise un environnement d’apprentissage inclusif et stimulant, où chaque personne peut se sentir valorisée et encouragée à s’impliquer.

« Chacun.e a sa propre voix unique, attendant les outils nécessaires pour se dévoiler aux autres. L’éducation, et surtout l’éducation artistique, ne peut pas se limiter à la transmission de connaissances ou techniques, mais elle doit également promouvoir la curiosité intellectuelle et le développement personnel de chaque personne. » – Carmen Mármol Ramírez

© Tous droits réservés, Carmen Mármol Ramírez 2026

Professeure invitée

Originaire des environs de Montréal, Audrey a grandi dans un environnement où l’art n’a jamais été bien loin. Dès sa jeunesse, l’art narratif s’impose comme une fascination centrale, un moyen de raconter, de suggérer et de faire émerger des mondes sensibles.

C’est en 2014, à la suite d’un accident marquant, que ses études artistiques prennent véritablement racine à l’Académie des Beaux-arts de Montréal, sous les enseignements de Romina Sol Catanzaro. Avec le temps, son parcours s’enrichit à travers l’enseignement de plusieurs professeurs dont Irena Korosec et Eberhard Froehlich.

Titulaire d’une maîtrise en physiothérapie obtenue en 2012, son parcours est traversé par une compréhension intime du corps et de l’anatomie. En 2017, ces connaissances l’ont menée à co-développer, aux côtés d’Anne-Marie Roy, un cours d’anatomie artistique à l’Académie des Beaux-arts de Montréal, un enseignement ayant pris plusieurs formes et versions au fil du temps.

En 2019, Audrey figure parmi les finalistes dans la catégorie « Imaginative Realism » du 14e salon du Art Renewal Center pour son oeuvre « The Door to Erebus ».

Installée dans les Laurentides depuis 2022, Audrey poursuit aujourd’hui une pratique artistique où le regard scientifique, la technique classique et l’élan poétique se rencontrent, nourrissant son propre territoire narratif.

© Tous droits réservés, Audrey Champoux 2026

Professeure invitée

Pendant de nombreuses années, j’ai mené une double vie créative, jonglant entre mes responsabilités de gestionnaire et ma pratique artistique. Cette dualité, loin d’être un frein, a nourri ma vision et ma compréhension du monde. L’art visuel ,peinture et dessin, s’est imposé comme un langage nécessaire, un espace de liberté et d’exploration en parallèle de mes obligations professionnelles.

Au fil des années, ma démarche artistique s’est enrichie à travers diverses expositions et projets communautaires. Ces expériences m’ont permis de confronter mon travail au regard d’autrui et de tisser des liens avec ma communauté. J’ai toujours été animée par l’envie d’expérimenter, de repousser les limites de mes connaissances techniques et conceptuelles. Cette curiosité constante me pousse à explorer de nouvelles approches, de nouveaux matériaux, de nouvelles façons d’appréhender la création. Depuis quelques années, l’enseignement de la peinture occupe une place importante dans ma pratique. Transmettre mes connaissances s’est révélé être bien plus qu’un simple partage, c’est un processus d’enrichissement mutuel. Chaque élève apporte sa vision, ses questionnements, ses découvertes, nourrissant ainsi ma propre réflexion artistique. Cette dimension pédagogique affine ma compréhension des techniques et approfondit ma relation à l’art.

Lorsque j’ai quitté mon emploi de gestionnaire, j’ai ressenti le besoin impérieux d’approfondir ma pratique artistique. Cette transition m’a menée vers un parcours d’études en dessin classique à l’Académie des beaux-Arts de Montréal, expérience qui a révolutionné ma vision artistique. Ce retour aux fondamentaux m’a ouvert un monde insoupçonné, révélant des subtilités techniques et des richesses conceptuelles que je n’avais qu’effleurées auparavant.

Aujourd’hui, ma pratique s’articule autour de projets plus personnels et mieux réfléchis. L’étude classique a renforcé ma maîtrise technique tout en libérant ma créativité. Je puise dans cette formation rigoureuse qui m’a donné les outils nécessaires et par le fait même une plus grande liberté, pour explorer. Que ce soit par le biais du corps humain , le paysage ou la nature morte , ce qui m’intéresse d’abord et avant tout est de créer une atmosphère qui nous transporte dans un monde imaginaire. Allier tradition et innovation, savoir-faire classique et expression contemporaine m’accompagne dans ce processus. Cette formation académique marque le début d’une nouvelle phase de ma carrière artistique. Forte de cette base solide et de mon expérience diversifiée, je continue d’expérimenter et de transmettre, portant un regard renouvelé sur ma pratique. Mon parcours atypique, mêlant gestion, création, enseignement et étude classique, nourrit une approche artistique unique où la rigueur technique rencontre l’audace créative.

© Tous droits réservés, Hélène Lecompte 2026

Professeure invitée

Marie-Annebelle Hébert a, dès l’enfance, trouvé dans l’art un espace ludique où le dessin est devenu son mode d’expression privilégié.

Après l’obtention d’un diplôme + Art et culture du Collège Bois de Boulogne en 2013 Marie-Annebelle poursuit des études à temps plein à l’Académie des beaux-arts de Montréal où elle se découvre aussi un intérêt pour le portrait et le paysage et les multiples possibilités qu’offre la peinture. Elle y devient progressivement assistante professeure puis, en 2018, co-professeure du cours Introduction au dessin.
Au printemps 2019, on lui confie la supervision et l’assistance des étudiants lors des séances de pratique associées au Programme intensif en figuration réaliste. Elle est maintenant également chargée de cours pour les Programmes de dessin et peinture.

Marie-Annebelle expose régulièrement ses œuvres dans différents endroits à Montréal. En 2018, elle représente l’Académie des Beaux-Arts de Montréal pour le Canada au concours international de dessin organisé par Femmes Leaders Mondiales de Monaco

En avril 2019, son exposition solo à la Galerie 2112 Amherst sous le thème Ruines, Faune, Flore lui vaut une mention dans le Magazine Radio in situ. Hommage poétique à la résilience écologique, cette série de dessins présente des paysages où les ruines, servent d’habitat à la faune et à la flore, reprenant leurs droits sur des territoires autrefois accaparés par l’homme.
Cette exposition a été réalisée dans le cadre d’un projet Jeunes Volontaires du gouvernement du Québec avec le soutien de l’Académie des Beaux-Arts de Montréal sous le mentorat de la professeure Romina Sol Catanzaro.

«Je suis fière de l’évolution de cette extraordinaire dessinatrice, devenue aujourd’hui ma collaboratrice.» Romina Sol Catanzaro

«Le dessin fait partie de ma vie depuis mon enfance. D’abord une source de jeu et un refuge, dessiner est devenu pour moi une forme de méditation. Dans la série Ruines, Faune, Flore, j’ai choisi la délicatesse du fusain pour exprimer ma préoccupation pour les questions environnementales et mon affection particulière pour les animaux sauvages.»

© Tous droits réservés, Marie-Annebelle Hébert 2026

Professeure invitée

Maria Kyrychenko is a representational painter whose work bridges classical tradition and contemporary sensibilities. Born in Poltava, Ukraine, in 1999, Maria was immersed in the rich cultural heritage of her homeland, where she received formal, classical art training. Her early education laid a strong foundation for her mastery of technique, while her artistic journey has evolved to incorporate a profound exploration of light, color, and narrative.

Initially drawn to the expressive potential of impressionist landscape painting, Maria has since expanded her practice to encompass portraiture, seeking to convey the complexities of human emotion and identity. Through her portraits, she delves into personal stories, weaving visual narratives that invite viewers to engage with the nuances of character and expression.

Maria’s work has gained recognition from collectors around the world, reflecting an appreciation for her unique style and thoughtful approach to painting. Her evolving body of work blends classical techniques with personal interpretations, as she continues to explore new ways of expressing her artistic vision.

© Tous droits réservés, Maria Kyrychenko 2026

Professeure invitée pour enfants

Maria Teresa Hincapie est Artiste multidisciplinaire qui est née è Medellin, Colombie. Ell a reçu son diplôme en Arts Visuels de la Universidad Nacional de Colombia et en design textile au Centre d’Impression Textile de Montréal. Elle a fait une année d’études à l’Université Concordia dans le cadre d’un échange étudiant à Montréal, Québec, où elle a étudié la peinture, la gravure et les arts électroniques. Depuis 2008, elle vit à Montréal.

Son travail artistique comprend surtout de la peinture acrylique, des impressions en sérigraphie, et numériques, des motifs en répétition et des illustrations. D’ordinaire, elle travaille le textile et le papier. Quotidiennement, elle aime explorer avec la matérialité de la couleur et l’exercice de dessiner des espaces architecturaux, ses souvenirs d’enfance, ses rêves et les personnages qui les habitent.

© Tous droits réservés, Maria Teresa Hincapie Yepes 2026